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| ● Cazadores de dragones ● Corazón rebelde ● El corredor nocturno ● Los hombres que miraban fijamente a... ● Millennium 3: La reina en el palacio de... (Doblatge disponible en català) ● Res publica |
Estrenes setmana del 5 de març al 12 de març
5/3/10
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Pròximes estrenes: "Los hombres que miraba fijamente a las cabras"
3/3/10
Aquí teniu la crítica de la nova pel·lícula de George Clooney "Los hombres que miraba fijamente las cabras" de José Arce (crític de La butaca).
Lisérgica y progresivamente cómica propuesta basada en unos hechos reales tan sorprendentes como probados, con George Clooney y Jeff Bridges defendiendo sus papeles con una convicción espectacular y descacharrante. Atípica y tentadora.
Bob Wilton (Ewan McGregor) es un periodista a la caza de un gran reportaje. Encontrará uno, cuando menos sorprendente, al cruzarse su camino con el de Lyn Cassidy (George Clooney), que le relatará la historia de una unidad militar experimental: el Ejército de la Nueva Tierra. Presentada en su prólogo como basada en unos hechos más reales de lo que puede parecer, “Los hombres que miraban fijamente a las cabras”, adaptación del best seller de Jon Ronson a cargo del polifacético Grant Heslov, requiere de un importante ejercicio de apertura mental por parte del espectador que, atraído por un elenco espectacular y un título tan chocante como atractivo en sus promesas cómicas, se encontrará ante una pirueta cinematográfica que descoloca al observador ─al menos, al que no esté ya colocado─ durante cada segundo de su metraje.
Sobre los conocidos ─pero velados─ intentos de los grandes gobiernos de aprovechar las capacidades psíquicas de los soldados para vencer al enemigo, el film traza las líneas de lo que parece ser una sátira antibelicista para desarrollarse, sumido en una progresiva y finalmente absoluta lisergia a todos los niveles, como una comedia descerebrada que no aboga por evitar la lucha, sino por enfocarla de otro modo, tan amable y candoroso como irrealizable y descacharrante. El grosor crítico de la historia se encuentra, de este modo, en la situación contextual que acoge el germen fundacional del pelotón de chiflados, auspiciado por el mismísimo Ronald Reagan y su delirante afición a “La Guerra de las Galaxias” ─que llevó a denominar popularmente de tal modo a su Iniciativa de Defensa Estratégica contra el “imperio del Mal” soviético─, y con su retrato de un establishment militar defendido con conmovedora convicción por un colosal Jeff Bridges.
En su desarrollo según los esquemas de una road movie que nos lleva desde los Estados Unidos a la guerra de Iraq de 2002, la subversión new age adquiere los rasgos de un soberbio George Clooney convencido de ser un auténtico Caballero Jedi, que desglosará todo su saber ante un palco tan pasmado con el propio McGregor, de nuevo instruido en la Fuerza ─por si no le quedaron claras las enseñanzas de Qui-Gon Jinn─ en un mundo alocado y extrañamente coherente en su desequilibrio. Más extraña que la ficción, con pasajes espectacularmente hilarantes alternados con tramos de profundidad curiosamente excesiva, despertará loas e incomprensión a partes iguales, convertida en un paraíso para unos y un soporífero infierno insostenible para otros. Y es que, al margen de que lo pretenda o no en términos absolutos, “Los hombres que miraban fijamente a las cabras” es tan personal e intransferible como un viaje de ácido.
Calificación: 6/10
Lisérgica y progresivamente cómica propuesta basada en unos hechos reales tan sorprendentes como probados, con George Clooney y Jeff Bridges defendiendo sus papeles con una convicción espectacular y descacharrante. Atípica y tentadora.
Bob Wilton (Ewan McGregor) es un periodista a la caza de un gran reportaje. Encontrará uno, cuando menos sorprendente, al cruzarse su camino con el de Lyn Cassidy (George Clooney), que le relatará la historia de una unidad militar experimental: el Ejército de la Nueva Tierra. Presentada en su prólogo como basada en unos hechos más reales de lo que puede parecer, “Los hombres que miraban fijamente a las cabras”, adaptación del best seller de Jon Ronson a cargo del polifacético Grant Heslov, requiere de un importante ejercicio de apertura mental por parte del espectador que, atraído por un elenco espectacular y un título tan chocante como atractivo en sus promesas cómicas, se encontrará ante una pirueta cinematográfica que descoloca al observador ─al menos, al que no esté ya colocado─ durante cada segundo de su metraje.
Sobre los conocidos ─pero velados─ intentos de los grandes gobiernos de aprovechar las capacidades psíquicas de los soldados para vencer al enemigo, el film traza las líneas de lo que parece ser una sátira antibelicista para desarrollarse, sumido en una progresiva y finalmente absoluta lisergia a todos los niveles, como una comedia descerebrada que no aboga por evitar la lucha, sino por enfocarla de otro modo, tan amable y candoroso como irrealizable y descacharrante. El grosor crítico de la historia se encuentra, de este modo, en la situación contextual que acoge el germen fundacional del pelotón de chiflados, auspiciado por el mismísimo Ronald Reagan y su delirante afición a “La Guerra de las Galaxias” ─que llevó a denominar popularmente de tal modo a su Iniciativa de Defensa Estratégica contra el “imperio del Mal” soviético─, y con su retrato de un establishment militar defendido con conmovedora convicción por un colosal Jeff Bridges.
En su desarrollo según los esquemas de una road movie que nos lleva desde los Estados Unidos a la guerra de Iraq de 2002, la subversión new age adquiere los rasgos de un soberbio George Clooney convencido de ser un auténtico Caballero Jedi, que desglosará todo su saber ante un palco tan pasmado con el propio McGregor, de nuevo instruido en la Fuerza ─por si no le quedaron claras las enseñanzas de Qui-Gon Jinn─ en un mundo alocado y extrañamente coherente en su desequilibrio. Más extraña que la ficción, con pasajes espectacularmente hilarantes alternados con tramos de profundidad curiosamente excesiva, despertará loas e incomprensión a partes iguales, convertida en un paraíso para unos y un soporífero infierno insostenible para otros. Y es que, al margen de que lo pretenda o no en términos absolutos, “Los hombres que miraban fijamente a las cabras” es tan personal e intransferible como un viaje de ácido.
Calificación: 6/10
Pròximes estrenes: "Caçadors de Dracs"
El 5 de març ens arriba als cinemes una proposta animada produïda a França, i que té com a protagonistes uns caçadors de dracs, extrets de la seria televisvaa del mateix nom. Aquesta sèria, de Futurikon, ja fa temps que va arribar a l'estat espanyol, estrenant-se al K3, en català, i al Clan TVE, en castellà.La pel·lícula arriba amb dos anys de retard, ja que a França es va estrenar el març de 2008 i el març de 2010 ens arriba a nosaltres. Aquí os deixo amb la sinopsi del film, i el trailer en castellà. Recordem que aquesta pel·lícula no ha estat doblada al català.
Zoe es una niña pequeña que cree en los cuentos de hadas. Para ayudar a su tío, lord Arnold, a deshacerse de un terrible dragón, la pequeña decide que tiene que buscar a héroes como los que aparecen en los libros que lee. En cambio, conoce a Gwizdo y a Lian-Chu, dos cazadores de dragones que no tienen más ambición en la vida que comprarse una pequeña granja y retirarse. La pequeña cree que ellos son los héroes con los que sueña, y el astuto Gwizdo, estimulado por el oro de lord Arnold, no piensa decirle la verdad. Zoe está dispuesta a vivir la aventura de sus héroes. A partir de este punto, no hay vuelta atrás. Y, para desesperación de Gwizdo, el grupo inicia un peligroso viaje al fin del mundo, donde, aún dormido —aunque no por mucho tiempo— se encuentra el más espantoso de todos los dragones: ¡el malvado Zampamundos!
Zoe es una niña pequeña que cree en los cuentos de hadas. Para ayudar a su tío, lord Arnold, a deshacerse de un terrible dragón, la pequeña decide que tiene que buscar a héroes como los que aparecen en los libros que lee. En cambio, conoce a Gwizdo y a Lian-Chu, dos cazadores de dragones que no tienen más ambición en la vida que comprarse una pequeña granja y retirarse. La pequeña cree que ellos son los héroes con los que sueña, y el astuto Gwizdo, estimulado por el oro de lord Arnold, no piensa decirle la verdad. Zoe está dispuesta a vivir la aventura de sus héroes. A partir de este punto, no hay vuelta atrás. Y, para desesperación de Gwizdo, el grupo inicia un peligroso viaje al fin del mundo, donde, aún dormido —aunque no por mucho tiempo— se encuentra el más espantoso de todos los dragones: ¡el malvado Zampamundos!
Rumors i Notícies: "Na'vi" podria ser el títol de la sequela de l'exitós "AVATAR"
2/3/10
Si una cosa està clara és que hi haurà una sequela d'"Avatar". James Cameron, director del film que ja ha recaptat més de 2.500 milions de dòlars, ha comentat que si hi hagués una sequela, tornem a dir que és gairabé segur, el film no es diria "Avatar 2", sinó que per com acaba el final de la primera entrega, seria més apropiat anomenar-la "Na'vi". James cameroin ha comentat, també, que encara nop hi ha cap contracte firmat, però diu que si hi ha una sequela, la vol dirigir ell, i no vol donar el testimoni a un dels seus amics.
Restarem a l'espera de més declaraciojns, i en cas de que es fés, ens preguntem quan de temps ens haurem d'esperar a veure-la a les nostres pantalles.
MAV.
Restarem a l'espera de més declaraciojns, i en cas de que es fés, ens preguntem quan de temps ens haurem d'esperar a veure-la a les nostres pantalles.
MAV.
Crítica de "El último vuelo": Esquizofrènia conceptual
Aquí us deixo amb una altra crítica, també de la reviusta de cinema online: La Butaca. Aquesta crítica tracta sobre la pel·lícula "El Último vuelo", una pel·licula francesa que explica la història d'un pilot francès deseparegut al dasert francès d'el Sàhara. Aquí os deixo amb la crítica.
Acierta de lleno el crítico francés de Le Monde, Jacques Mandelbaum, cuando sugiere (eso sí, con timidez) el carácter esquizofrénico de “El último vuelo”. La última película del cineasta de origen tunecino Karim Dridi se debate entre el convencional vehículo para el lucimiento de su pareja protagonista (asociación reforzada desde la expectación rosa) y la abstracción conceptual en la que deriva su concepción cinematográfica; entre la narrativa de canon estricto y los subrayados autorales, en ambos casos igualmente desvaídos. Lo esquizoide de la propuesta se predispone desde su estructura claramente dividida en dos mitades: en una primera, el cineasta centra su narrativa en la contextualización de un asentamiento meharista en el Sahara francés de los años 30; en la segunda, el tema colonial se ausenta para dar paso al relato pretendidamente angustioso, el de una travesía en la que sus dos personajes protagónicos caminan desamparados hacia una posibilidad quimérica, que es acto de amor en el que nace el amor mismo.
El fracaso, lamentablemente, es patente en ambas mitades. En lo que respecta al colonialismo y las fricciones morales que de este se derivan, Dridi pasa de puntillas y sin posibilidad de profundidad histórico-sociológica, reduciendo el deseable gran tema al simplista, maniqueo enfrentamiento entre un pacifista de increíble filantropía (Guillaume Canet) y un colonialista de imposible codicia conquistadora (Guillaume Marquet). En lo posterior, el autor se embarca en un viaje cinematográfico al que llega irremediablemente tarde, un descenso a territorios más subjetivos del lenguaje, presidido por los silencios y las pasiones enmudecidas, con un peso extraordinario de la pérdida que llega a insinuar a Dridi como un Antonioni de baja estofa y actores poco inspirados.
Es en esos momentos donde “El último vuelo” encuentra sus mejores hallazgos visuales, en el uso inesperado de ciertos picados y contrapicados para enfatizar la pesadez del desierto, en un arrebatador plano de un primer beso que transmuta del egoísmo al cariño agónico. Es en esos pasajes cuando el espectador sorprendido por la anormalidad del giro devenido, aquel que comienza a interesarse por tan abstracta travesía hacia la muerte, se siente más cerca de una reconciliación casi antinatural con la propuesta. Y es justo antes, también, de que la misma concluya traicionando a ese sugerido espíritu con un fatídico cierre explicativo en forma de notas aclaratorias. Notas para certificar, para lamentar la condición de espejismo en medio del desierto del ramalazo conceptual al que acaba de asistir.
Calificación: 4/10
Acierta de lleno el crítico francés de Le Monde, Jacques Mandelbaum, cuando sugiere (eso sí, con timidez) el carácter esquizofrénico de “El último vuelo”. La última película del cineasta de origen tunecino Karim Dridi se debate entre el convencional vehículo para el lucimiento de su pareja protagonista (asociación reforzada desde la expectación rosa) y la abstracción conceptual en la que deriva su concepción cinematográfica; entre la narrativa de canon estricto y los subrayados autorales, en ambos casos igualmente desvaídos. Lo esquizoide de la propuesta se predispone desde su estructura claramente dividida en dos mitades: en una primera, el cineasta centra su narrativa en la contextualización de un asentamiento meharista en el Sahara francés de los años 30; en la segunda, el tema colonial se ausenta para dar paso al relato pretendidamente angustioso, el de una travesía en la que sus dos personajes protagónicos caminan desamparados hacia una posibilidad quimérica, que es acto de amor en el que nace el amor mismo.
El fracaso, lamentablemente, es patente en ambas mitades. En lo que respecta al colonialismo y las fricciones morales que de este se derivan, Dridi pasa de puntillas y sin posibilidad de profundidad histórico-sociológica, reduciendo el deseable gran tema al simplista, maniqueo enfrentamiento entre un pacifista de increíble filantropía (Guillaume Canet) y un colonialista de imposible codicia conquistadora (Guillaume Marquet). En lo posterior, el autor se embarca en un viaje cinematográfico al que llega irremediablemente tarde, un descenso a territorios más subjetivos del lenguaje, presidido por los silencios y las pasiones enmudecidas, con un peso extraordinario de la pérdida que llega a insinuar a Dridi como un Antonioni de baja estofa y actores poco inspirados.
Es en esos momentos donde “El último vuelo” encuentra sus mejores hallazgos visuales, en el uso inesperado de ciertos picados y contrapicados para enfatizar la pesadez del desierto, en un arrebatador plano de un primer beso que transmuta del egoísmo al cariño agónico. Es en esos pasajes cuando el espectador sorprendido por la anormalidad del giro devenido, aquel que comienza a interesarse por tan abstracta travesía hacia la muerte, se siente más cerca de una reconciliación casi antinatural con la propuesta. Y es justo antes, también, de que la misma concluya traicionando a ese sugerido espíritu con un fatídico cierre explicativo en forma de notas aclaratorias. Notas para certificar, para lamentar la condición de espejismo en medio del desierto del ramalazo conceptual al que acaba de asistir.
Calificación: 4/10
Anàlisi de l'estrena de "The lovely Bones"
1/3/10
Tras un baile de títulos y fechas que titubeaban entre la traducción española de la novela de Alice Sebold, “Desde mi cielo”, y el original “The lovely bones” (de largo un título más rico, bellamente macabro), finalmente se estrena la última película de Peter Jackson y lo hace bajo este último nombre. Una vez más, el realizador demuestra la capacidad del cineasta neozelandés para reinventarse y dar las redirecciones oportunas a su carrera. Jackson, recordemos, se había convertido a principios de los 90 en un director de culto gracias a la gore comedy festiva que había exhibido en “Mal gusto” (1987) y “Braindead: tu madre se ha comido mi perro” (1992), convirtiéndose así, junto a Sam Raimi, en culpable de una de las relecturas del fantaterror más importantes hasta la fecha. En 1994, sin embargo, Jackson sorprendía con un drama psicológico decantado por el lirismo, por una mayor búsqueda de una cierta poesía visual en “Criaturas celestiales”. De ahí, al mockumentary “La verdadera historia del cine” (1996) y el thriller sobrenatural “Agárrame esos fantasmas” (1996), justo antes de dar el salto definitivo al mainstream con la trilogía de “El señor de los anillos” y “King Kong” (2005), revisión (aumentada) de una de sus películas favoritas.
Ahora, tras cuatro proyectos descomunales y con las dudas en el horizonte de cuál será su próxima empresa como director, Peter Jackson vuelve a sorprender con una historia intimista, de nuevo cercana a un mayor lirismo de la imagen que busca ilustrar el texto de Alice Sebold. “The lovely bones” narra la historia de Susie Salmon (Saoirse Ronan), una adolescente que es asesinada a los 14 años. Desde su particular cielo, Susie observa a su familia intentando superar el trauma, a sus amigos aprendiendo a vivir sin ella y a su asesino, que prosigue impune con su vida aparentemente normal. “The lovely bones” se estrena en los cines el 26 de febrero.
Ahora, tras cuatro proyectos descomunales y con las dudas en el horizonte de cuál será su próxima empresa como director, Peter Jackson vuelve a sorprender con una historia intimista, de nuevo cercana a un mayor lirismo de la imagen que busca ilustrar el texto de Alice Sebold. “The lovely bones” narra la historia de Susie Salmon (Saoirse Ronan), una adolescente que es asesinada a los 14 años. Desde su particular cielo, Susie observa a su familia intentando superar el trauma, a sus amigos aprendiendo a vivir sin ella y a su asesino, que prosigue impune con su vida aparentemente normal. “The lovely bones” se estrena en los cines el 26 de febrero.
Crítica "Shutter Island"
La quarta col·laboració entre Martin Scorsese i Leonardo DiCaprio es bolca, més que en cap altra amb l’excepció de L’aviador, en les capacitats interpretatives de l’actor amb el qual el director se sent més còmode: ni amb Robert De Niro o Harvey Keitel, els seus comodins dels anys 70 i 80, va enllaçar tants films junts i va elaborar tants personatges perquè fossin explotats pels dots, limitats, de DiCaprio.
L’agent federal que interpreta està pràcticament en tots els plans del film, cosa que té la seva lògica tenint en compte la resolució del relat. Shutter Island, l’acció de la qual transcorre en un centre per a criminals dements el 1954, està plantejada com un thriller amb atmosfera de cine de terror, una barreja genèrica en què Scorsese se sent còmode perquè li permet invocar molts dels seus referents: la producció fantàstica de Val Lewton Bedlam, que tenia lloc en un manicomi, o el film de Sam Fuller Corredor sin retorno, que era una exploració brutal de la bogeria, per no citar El gabinet del doctor Caligari, un clàssic expressionista que, pel que sembla, va estar en la base de tot.
El resultat és desnivellat, amb unes textures suggerents que contrasten amb l’artificialitat dels seus efectes especials en els somnis escabrosos. Scorsese converteix el centre psiquiàtric en un cos orgànic, una successió d’espais laberíntics i estances gòtiques. Perquè la idea última és la de restituir la imatgeria gòtica del gènere, de manera que no hi falten el cementiri, la cripta, la tempesta, el penya-segat i el far, elements constituents de tants relats gòtics.
Scorsese no aconsegueix conferir al producte tot el misteri necessari, però la pel·lícula té alguna cosa més que correcció en les seves imatges ben encaixades. No és l’Scorsese de Taxi Driver, però a Shutter Island hi ha algun aspecte d’aquest autor desbocat i atrevit que va dibuixar fa anys un nou panorama per al cine nord-americà.
L’agent federal que interpreta està pràcticament en tots els plans del film, cosa que té la seva lògica tenint en compte la resolució del relat. Shutter Island, l’acció de la qual transcorre en un centre per a criminals dements el 1954, està plantejada com un thriller amb atmosfera de cine de terror, una barreja genèrica en què Scorsese se sent còmode perquè li permet invocar molts dels seus referents: la producció fantàstica de Val Lewton Bedlam, que tenia lloc en un manicomi, o el film de Sam Fuller Corredor sin retorno, que era una exploració brutal de la bogeria, per no citar El gabinet del doctor Caligari, un clàssic expressionista que, pel que sembla, va estar en la base de tot.
El resultat és desnivellat, amb unes textures suggerents que contrasten amb l’artificialitat dels seus efectes especials en els somnis escabrosos. Scorsese converteix el centre psiquiàtric en un cos orgànic, una successió d’espais laberíntics i estances gòtiques. Perquè la idea última és la de restituir la imatgeria gòtica del gènere, de manera que no hi falten el cementiri, la cripta, la tempesta, el penya-segat i el far, elements constituents de tants relats gòtics.
Scorsese no aconsegueix conferir al producte tot el misteri necessari, però la pel·lícula té alguna cosa més que correcció en les seves imatges ben encaixades. No és l’Scorsese de Taxi Driver, però a Shutter Island hi ha algun aspecte d’aquest autor desbocat i atrevit que va dibuixar fa anys un nou panorama per al cine nord-americà.
Estrenes setmana del 26 de febrer al 5 de març
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| ● Al límite ● An education ● Arena ● Daybreakers ● El último vuelo ● The lovely bones ● Un profeta Cap d'aquestes estrenes no ha estat doblñada al català. |
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