Otra imprescindible obra de Pixar en la que se combinan con maestría géneros tan diversos como la comedia, la acción, la aventura e incluso el drama. Su ritmo no decae en ningún momento y se convierte en una brillante conclusión de la saga.
¿Cómo es posible que todas, absolutamente todas las películas de Pixar me parezcan, como mínimo, notables? Desde que se estrenó “Toy story”, esta compañía ha lanzado propuestas de características muy diversas y, si bien algunas (“WALL·E [Batallón de limpieza]“) se arriesgaban más que otras (“Buscando a Nemo”), la calidad siempre ha sido la nota dominante de todas ellas. He de reconocer que creía que con “Toy story 3″ se bajaría el listón tras la magnífica “Up”, puesto que no son pocos los problemas de producción que ha atravesado este título. Y es que no hay que olvidar que John Lasseter estuvo a punto de romper con Disney debido a que el por aquel entonces principal responsable de tan importante major dio luz verde a esta continuación sin contar con el beneplácito de sus creadores. Tras enmendar semejante desatino y partir completamente de cero, el resultado por fin ha llegado a nuestras pantallas. ¡Y vaya resultado!
En “Toy story 3″, Andy ya es un muchacho que está a punto de ir a la universidad. Aunque no se ha olvidado de sus juguetes, es obvio que sus preferencias son otras, de ahí que tenga que decidir si quiere quedarse con ellos y guardarlos en el desván, tirarlos a la basura o donarlos a una guardería cercana. Aunque su decisión es la primera, diversas circunstancias hacen que los protagonistas del relato vayan a parar a este último lugar. La película no sólo posee un ritmo trepidante, sino que además aúna con brillantez elementos tan variados como la comedia, la acción, la aventura, el drama e incluso el thriller. Se trata, en definitiva, de todo un ejemplo de un tipo de cine comercial que bien harían en imitar otros estudios de Hollywood.
Por supuesto, el toque Pixar se halla presente en no pocos fragmentos del metraje, tal y como acontece cuando se nos explica la historia de Lotso o durante su emotiva conclusión, una lógica despedida que toca la fibra sensible del espectador y en la que se refleja en apenas unos minutos cómo en la vida de cualquier persona la infancia ha de quedarse atrás, si bien ello no significa que debamos olvidarla. El filme presenta nuevos personajes que enseguida conectan con el público, siendo el guión muy equilibrado y repartiéndose de forma adecuada tanto el tiempo que cada uno de ellos aparece en la pantalla como los distintos géneros que se suceden a lo largo de la narración. En cuanto a los apartados técnicos, es evidente la mejora con respecto a “Toy story”, mostrándose todo de una forma mucho más detallada, especialmente en el caso de los humanos. Sin embargo, el corazón de la cinta sigue siendo el mismo: el estupendo desarrollo de su historia.
Christopher Nolan deja respirar a Bruce Wayne para regalarnos un tremendo espectáculo a todos los niveles. Un blockbuster vertiginoso nacido para marcar una tendencia a seguir. Una maravilla, en definitiva.
Dominic Cobb (Leonardo DiCaprio) es un sofisticado ladrón de información; su mérito no es pequeño, porque sustrae lo que necesita directamente del cerebro de sus objetivos. “Origen” es la película del año. Y lo es porque, más allá de lo sobresaliente de sus méritos cinematográficos, aterriza en un momento en el que la industria ─en resultados y calidades─ no está en su mejor momento, motivo por el que no podemos sino celebrar una propuesta que no es un remake, una secuela o una adaptación, no busca el efecto de la tridimensionalidad y no da la impresión de que su hinchado presupuesto sea una excusa para que los gerifaltes de las majors nutran sus cuentas corrientes. Por todo eso, y por mucho más, lo nuevo de Christopher Nolan es lo mejor que podía pasarnos a quienes a diario suspiramos por los espasmos ─¿estertores?─ de nuestro arte favorito.
Si los hermanos Wachowski nos proponían una realidad inducida, Nolan nos invita a bucear en un viaje alucinante al interior mismo del subconsciente. Regresan las recurrencias del cineasta acerca de la fragilidad de la mente, de la debilidad de la memoria, de la fantasía palpable, pautas que forman parte de su filmografía más allá ─o de otro modo, más bien─ del héroe de Gotham; encuentra en ese análisis, además, el que quizá sea el gran acierto del film: su genialidad abarcable, que solicita del espectador una atención plena para recompensarle con un guión densísimo, lleno de capas y narraciones superpuestas pero asumibles ─en su mayor parte, al menos─ en un primer y gozoso visionado. Alternando el ritmo sin convulsiones pero con emoción, entre la solidez del thriller corporativo y los arrebatos de fuego y plomo indispensables en un blockbuster de tamañas proporciones, el cineasta disfraza de armatoste de género una historia en la que todo se reduce al íntimo amor recordado del tormentoso protagonista.
Es en esa familia soñada donde se asienta toda la trama, en las caras ocultas de unos niños alejados de su padre por una idea ─la idea─ que arraigó con fuerza imparable en la mente de la esposa (Marion Cotillard), ahora lo más parecido a una araña que anida en el fondo de un pozo onírico a la espera de una víctima fuertemente prevenida. A medida que la (sin) razón se abre paso, espectacularmente ralentizada en un discontinuo espaciotemporal de pesadilla, la extraordinaria motivación de Cobb ─fabuloso DiCaprio, en un momento profesional casi insultante en su facilidad interpretativa─ se convierte en arma de toque capaz de provocar la destrucción física y mental de sus compañeros, sumidos todos en un Hades tan palpable como ficticio, tan definitivo como inabarcable. Y en su pirueta conclusiva… la invitación a que la subjetividad de cada cual juegue para rellenar un puzle esplendoroso. «Cuanto mayor es el problema, mayor es la catarsis». Y en nuestra mente, otra idea enraizada: Nolan es un artista.
A pesar de que nos hallamos ante una franquicia que ha perdido su frescura inicial, la última película de la serie resulta amena y se convierte en un título idóneo para el público familiar. Eso sí, se queda muy, muy lejos de las joyas de Pixar.
Tras sus dos primeras entregas, “Shrek Tercero” nos dejó bastante desencantados, pues el filme no atesoraba una calidad similar a la de sus antecesoras. Eso es algo que sin duda ha afectado a “Shrek, felices para siempre”, la película que obtendrá una menor recaudación de todas las que conforman esta popular franquicia, al menos en el mercado norteamericano (y ello a pesar de que se ha estrenado en 3D). Si bien aquí no se recupera el brío y la frescura de “Shrek” y “Shrek 2″, al menos se puede decir que nos hallamos ante una propuesta ideal para pasar un buen rato en el cine. No obstante, satisfará mucho más al público infantil que al juvenil o al adulto.
En esta última aventura de Shrek, el popular ogro verde está un tanto cansado de su rutinaria vida. Llega un momento en el que incluso echa en falta los tiempos en los que la gente huía entre alaridos cada vez que se cruzaba en su camino. El sibilino Rumpelstiltskin escucha una discusión que el protagonista de la historia mantiene con Fiona y le hace una proposición: tan sólo ha de firmar un contrato mágico y, durante un día, podrá volver a experimentar las sensaciones que tanto añora. Por supuesto, el acuerdo esconde una pequeña trampa… Aunque el filme carece de esa chispa que sí estaba presente en la otra producción de DreamWorks Animation que se ha estrenado durante este 2010 (la brillante “Cómo entrenar a tu dragón”), al menos no provoca decepción alguna en el espectador.
Porque, a fin de cuentas, eso ya sucedió con “Shrek Tercero”, de ahí que ahora el público se deje llevar por una trama sencilla y entretenida a la que, eso sí, se le puede echar en cara que no sea precisamente muy original y que no contenga un mayor número de pasajes humorísticos (o que algunos de ellos no terminen de funcionar). Por suerte, en esta ocasión nos encontramos con un nuevo personaje que resulta más carismático que Artie, quien, menos mal, no hace acto de presencia en el relato. Me refiero a Rumpelstiltskin, un acertado villano que provoca algunos momentos graciosos. En definitiva, una obra menor dentro del género de la animación a la que, sin embargo, se le debería dar una oportunidad. Quien busque la calidad de Pixar, ya sabe, tan sólo ha de esperar a que llegue “Toy story 3″.
Els estudis Dreamworks Animation han anunciat una nova saga de pel·lícules protagonitzada per l'entranyable Gat amb Botes (Antonio Banderes) de les pel·lícules de Shrek. La història de Shrek arriba al seu final amb el quart film, el qual s'estrena aquest 8 de juliol, i que ja es perfila com una de les grans comèdies familiars i com un dels grans èxits taquillers, no tan sols de l'estiu, sinó de tot l'any 2010. Així, la factoria de Steven Spilberg, Dreamworks, vol plantar cara al seu rival més directe, Pixar animation, de cara a la carrera per l'oscar a la millor pel·lícula d'animació. Actualment, Dreamworks ja ha posat en marxa una plana web de la pel·lícula i ha facilitat als mitjans de comunicació una data d'estrena, tot i que segons el ritme de producció es podria anar canviant.
Aquí teniu la crítica de la nova pel·lícula de George Clooney "Los hombres que miraba fijamente las cabras" de José Arce (crític de La butaca).
Lisérgica y progresivamente cómica propuesta basada en unos hechos reales tan sorprendentes como probados, con George Clooney y Jeff Bridges defendiendo sus papeles con una convicción espectacular y descacharrante. Atípica y tentadora.
Bob Wilton (Ewan McGregor) es un periodista a la caza de un gran reportaje. Encontrará uno, cuando menos sorprendente, al cruzarse su camino con el de Lyn Cassidy (George Clooney), que le relatará la historia de una unidad militar experimental: el Ejército de la Nueva Tierra. Presentada en su prólogo como basada en unos hechos más reales de lo que puede parecer, “Los hombres que miraban fijamente a las cabras”, adaptación del best seller de Jon Ronson a cargo del polifacético Grant Heslov, requiere de un importante ejercicio de apertura mental por parte del espectador que, atraído por un elenco espectacular y un título tan chocante como atractivo en sus promesas cómicas, se encontrará ante una pirueta cinematográfica que descoloca al observador ─al menos, al que no esté ya colocado─ durante cada segundo de su metraje.
Sobre los conocidos ─pero velados─ intentos de los grandes gobiernos de aprovechar las capacidades psíquicas de los soldados para vencer al enemigo, el film traza las líneas de lo que parece ser una sátira antibelicista para desarrollarse, sumido en una progresiva y finalmente absoluta lisergia a todos los niveles, como una comedia descerebrada que no aboga por evitar la lucha, sino por enfocarla de otro modo, tan amable y candoroso como irrealizable y descacharrante. El grosor crítico de la historia se encuentra, de este modo, en la situación contextual que acoge el germen fundacional del pelotón de chiflados, auspiciado por el mismísimo Ronald Reagan y su delirante afición a “La Guerra de las Galaxias” ─que llevó a denominar popularmente de tal modo a su Iniciativa de Defensa Estratégica contra el “imperio del Mal” soviético─, y con su retrato de un establishment militar defendido con conmovedora convicción por un colosal Jeff Bridges.
En su desarrollo según los esquemas de una road movie que nos lleva desde los Estados Unidos a la guerra de Iraq de 2002, la subversión new age adquiere los rasgos de un soberbio George Clooney convencido de ser un auténtico Caballero Jedi, que desglosará todo su saber ante un palco tan pasmado con el propio McGregor, de nuevo instruido en la Fuerza ─por si no le quedaron claras las enseñanzas de Qui-Gon Jinn─ en un mundo alocado y extrañamente coherente en su desequilibrio. Más extraña que la ficción, con pasajes espectacularmente hilarantes alternados con tramos de profundidad curiosamente excesiva, despertará loas e incomprensión a partes iguales, convertida en un paraíso para unos y un soporífero infierno insostenible para otros. Y es que, al margen de que lo pretenda o no en términos absolutos, “Los hombres que miraban fijamente a las cabras” es tan personal e intransferible como un viaje de ácido.
El 5 de març ens arriba als cinemes una proposta animada produïda a França, i que té com a protagonistes uns caçadors de dracs, extrets de la seria televisvaa del mateix nom. Aquesta sèria, de Futurikon, ja fa temps que va arribar a l'estat espanyol, estrenant-se al K3, en català, i al Clan TVE, en castellà.La pel·lícula arriba amb dos anys de retard, ja que a França es va estrenar el març de 2008 i el març de 2010 ens arriba a nosaltres. Aquí os deixo amb la sinopsi del film, i el trailer en castellà. Recordem que aquesta pel·lícula no ha estat doblada al català.
Zoe es una niña pequeña que cree en los cuentos de hadas. Para ayudar a su tío, lord Arnold, a deshacerse de un terrible dragón, la pequeña decide que tiene que buscar a héroes como los que aparecen en los libros que lee. En cambio, conoce a Gwizdo y a Lian-Chu, dos cazadores de dragones que no tienen más ambición en la vida que comprarse una pequeña granja y retirarse. La pequeña cree que ellos son los héroes con los que sueña, y el astuto Gwizdo, estimulado por el oro de lord Arnold, no piensa decirle la verdad. Zoe está dispuesta a vivir la aventura de sus héroes. A partir de este punto, no hay vuelta atrás. Y, para desesperación de Gwizdo, el grupo inicia un peligroso viaje al fin del mundo, donde, aún dormido —aunque no por mucho tiempo— se encuentra el más espantoso de todos los dragones: ¡el malvado Zampamundos!
Si una cosa està clara és que hi haurà una sequela d'"Avatar". James Cameron, director del film que ja ha recaptat més de 2.500 milions de dòlars, ha comentat que si hi hagués una sequela, tornem a dir que és gairabé segur, el film no es diria "Avatar 2", sinó que per com acaba el final de la primera entrega, seria més apropiat anomenar-la "Na'vi". James cameroin ha comentat, també, que encara nop hi ha cap contracte firmat, però diu que si hi ha una sequela, la vol dirigir ell, i no vol donar el testimoni a un dels seus amics.
Restarem a l'espera de més declaraciojns, i en cas de que es fés, ens preguntem quan de temps ens haurem d'esperar a veure-la a les nostres pantalles.
Aquí us deixo amb una altra crítica, també de la reviusta de cinema online: La Butaca. Aquesta crítica tracta sobre la pel·lícula "El Último vuelo", una pel·licula francesa que explica la història d'un pilot francès deseparegut al dasert francès d'el Sàhara. Aquí os deixo amb la crítica.
Acierta de lleno el crítico francés de Le Monde, Jacques Mandelbaum, cuando sugiere (eso sí, con timidez) el carácter esquizofrénico de “El último vuelo”. La última película del cineasta de origen tunecino Karim Dridi se debate entre el convencional vehículo para el lucimiento de su pareja protagonista (asociación reforzada desde la expectación rosa) y la abstracción conceptual en la que deriva su concepción cinematográfica; entre la narrativa de canon estricto y los subrayados autorales, en ambos casos igualmente desvaídos. Lo esquizoide de la propuesta se predispone desde su estructura claramente dividida en dos mitades: en una primera, el cineasta centra su narrativa en la contextualización de un asentamiento meharista en el Sahara francés de los años 30; en la segunda, el tema colonial se ausenta para dar paso al relato pretendidamente angustioso, el de una travesía en la que sus dos personajes protagónicos caminan desamparados hacia una posibilidad quimérica, que es acto de amor en el que nace el amor mismo.
El fracaso, lamentablemente, es patente en ambas mitades. En lo que respecta al colonialismo y las fricciones morales que de este se derivan, Dridi pasa de puntillas y sin posibilidad de profundidad histórico-sociológica, reduciendo el deseable gran tema al simplista, maniqueo enfrentamiento entre un pacifista de increíble filantropía (Guillaume Canet) y un colonialista de imposible codicia conquistadora (Guillaume Marquet). En lo posterior, el autor se embarca en un viaje cinematográfico al que llega irremediablemente tarde, un descenso a territorios más subjetivos del lenguaje, presidido por los silencios y las pasiones enmudecidas, con un peso extraordinario de la pérdida que llega a insinuar a Dridi como un Antonioni de baja estofa y actores poco inspirados.
Es en esos momentos donde “El último vuelo” encuentra sus mejores hallazgos visuales, en el uso inesperado de ciertos picados y contrapicados para enfatizar la pesadez del desierto, en un arrebatador plano de un primer beso que transmuta del egoísmo al cariño agónico. Es en esos pasajes cuando el espectador sorprendido por la anormalidad del giro devenido, aquel que comienza a interesarse por tan abstracta travesía hacia la muerte, se siente más cerca de una reconciliación casi antinatural con la propuesta. Y es justo antes, también, de que la misma concluya traicionando a ese sugerido espíritu con un fatídico cierre explicativo en forma de notas aclaratorias. Notas para certificar, para lamentar la condición de espejismo en medio del desierto del ramalazo conceptual al que acaba de asistir. Calificación: 4/10
Tras un baile de títulos y fechas que titubeaban entre la traducción española de la novela de Alice Sebold, “Desde mi cielo”, y el original “The lovely bones” (de largo un título más rico, bellamente macabro), finalmente se estrena la última película de Peter Jackson y lo hace bajo este último nombre. Una vez más, el realizador demuestra la capacidad del cineasta neozelandés para reinventarse y dar las redirecciones oportunas a su carrera. Jackson, recordemos, se había convertido a principios de los 90 en un director de culto gracias a la gore comedy festiva que había exhibido en “Mal gusto” (1987) y “Braindead: tu madre se ha comido mi perro” (1992), convirtiéndose así, junto a Sam Raimi, en culpable de una de las relecturas del fantaterror más importantes hasta la fecha. En 1994, sin embargo, Jackson sorprendía con un drama psicológico decantado por el lirismo, por una mayor búsqueda de una cierta poesía visual en “Criaturas celestiales”. De ahí, al mockumentary “La verdadera historia del cine” (1996) y el thriller sobrenatural “Agárrame esos fantasmas” (1996), justo antes de dar el salto definitivo al mainstream con la trilogía de “El señor de los anillos” y “King Kong” (2005), revisión (aumentada) de una de sus películas favoritas.
Ahora, tras cuatro proyectos descomunales y con las dudas en el horizonte de cuál será su próxima empresa como director, Peter Jackson vuelve a sorprender con una historia intimista, de nuevo cercana a un mayor lirismo de la imagen que busca ilustrar el texto de Alice Sebold. “The lovely bones” narra la historia de Susie Salmon (Saoirse Ronan), una adolescente que es asesinada a los 14 años. Desde su particular cielo, Susie observa a su familia intentando superar el trauma, a sus amigos aprendiendo a vivir sin ella y a su asesino, que prosigue impune con su vida aparentemente normal. “The lovely bones” se estrena en los cines el 26 de febrero.
La quarta col·laboració entre Martin Scorsese i Leonardo DiCaprio es bolca, més que en cap altra amb l’excepció de L’aviador, en les capacitats interpretatives de l’actor amb el qual el director se sent més còmode: ni amb Robert De Niro o Harvey Keitel, els seus comodins dels anys 70 i 80, va enllaçar tants films junts i va elaborar tants personatges perquè fossin explotats pels dots, limitats, de DiCaprio. L’agent federal que interpreta està pràcticament en tots els plans del film, cosa que té la seva lògica tenint en compte la resolució del relat. Shutter Island, l’acció de la qual transcorre en un centre per a criminals dements el 1954, està plantejada com un thriller amb atmosfera de cine de terror, una barreja genèrica en què Scorsese se sent còmode perquè li permet invocar molts dels seus referents: la producció fantàstica de Val Lewton Bedlam, que tenia lloc en un manicomi, o el film de Sam Fuller Corredor sin retorno, que era una exploració brutal de la bogeria, per no citar El gabinet del doctor Caligari, un clàssic expressionista que, pel que sembla, va estar en la base de tot. El resultat és desnivellat, amb unes textures suggerents que contrasten amb l’artificialitat dels seus efectes especials en els somnis escabrosos. Scorsese converteix el centre psiquiàtric en un cos orgànic, una successió d’espais laberíntics i estances gòtiques. Perquè la idea última és la de restituir la imatgeria gòtica del gènere, de manera que no hi falten el cementiri, la cripta, la tempesta, el penya-segat i el far, elements constituents de tants relats gòtics. Scorsese no aconsegueix conferir al producte tot el misteri necessari, però la pel·lícula té alguna cosa més que correcció en les seves imatges ben encaixades. No és l’Scorsese de Taxi Driver, però a Shutter Island hi ha algun aspecte d’aquest autor desbocat i atrevit que va dibuixar fa anys un nou panorama per al cine nord-americà.
La pel·lícula 'Bal' ('Mel') del cineasta turc Semih Kaplanoglu s'ha endut l'Ós d'Or, el premi més important, del festival de cine internacional de Berlín. 'Bal', produïda entre Alemanya i Turquia, està protagonitzada pel jove Bora Altas. En recollir el premi, un dels productors ha dit que no podia ser d'una altra manera perquè 'als ossos els hi agrada la mel', fent referència a l'ós que dona imatge al certamen i al títol de la pel·lícula. El film de Roman Polanski 'The Ghost Writer' ha estat premiat amb l'Ós de Plata a la millor direcció. La pel·lícula de Polanski era una de les que partia amb més possibilitats a la Berlinale, tot i l'absència del cineasta, que està sota arrest domiciliari a Suïssa. A continuació teniu un petit resum del que va donar de si la Berlinale 2010.
Aquí os deixo una crítica publicada a la revista de cinema "La Butaca" de la pel·lícula "La Cinta Blanca", de Michael Haneke, guanyadora dels premis més importants del cinema europeu i amb tres nominacions als Òscars.
Soberbia radiología social de la educación de una generación que supondría el germen del nacionalsocialismo alemán. La sospecha no resoluta recorre “La cinta blanca” como arma del discurso hanekiano que invita a la reflexión.
Afirma Michael Haneke, radiólogo exquisito de la podredumbre humana, que su intención para con el discurso cinematográfico es la de ampliar ese problemático margen para el espectador en el que no importa tanto lo que se cuenta como lo que no se cuenta, o se cuenta fuera de campo. Lo que otrora se convirtió en la base de la gramática más punitiva del autor, la misma que recorría las excelsas "Funny Games"(1997) o "La Pianista" (2001) y las hacía insoportables e hipnóticos ejercicios de flagelación moral, alcanza en "La cinta Blanca" una nueva dimensión, si cabe más tremebunda: con menos explicitud off-screen, la mayor penetración de ese molesto calado que logra indefectiblemente el cine del austríaco, se erige aquí desde la consciencia que el espectador adopta, apriorísticamente, de la repercusión posterior de aquello que le es expuesto.
Rodada en blanco y negro, Haneke refuerza con la elección tanto la contextualización socio-histórica como la opresiva atmósfera de crimen y castigo, la duplicidad moral que pervierte cual veneno lento una pequeña población luterana del norte de la Alemania inmediatamente anterior a la Primera Guerra Mundial. A través de una voz narradora que busca más el distanciamiento con los hechos que la visión subjetiva, asistimos a la serie de acontecimientos desgraciados que alteran el status quo al tiempo que la narración alterna su foco con la educación que los niños y adolescentes de la aldea reciben. En ese contexto, figuras única y significativamente bautizadas por su desempeño social, como el barón, el pastor o el doctor sirven a distintos fines: el barón explicita el carácter feudal e introduce la fricción interclasista, como puntos de partida también necesarios para entender el germen del odio; el pastor hace palmaria la asfixiante obligación de la inocencia en el infante, permanentemente anulado por la aplastante culpa que le ha sido impuesta; y el doctor escenifica los horrores subterráneos de la doble moral, generadores de traumas que también participan de ese fatal caldo de cultivo generacional.
Si “El lector” de Bernhard Schlink se posicionaba como obra literaria clave en el sopesamiento de los “círculos de culpa” y la complicidad de una nación en la responsabilidad del ascenso y terror del nacionalsocialismo alemán (algo que, por cierto, ni la adaptación a la novela a manos de Stephen Daldry ni la fallida "Good" supieron trasladar a la pantalla tan bien como un filme en principio ajeno como era "Vals con Bashir"), no es descabellado señalar a “La cinta blanca” como el reverso germinal de aquella, uno que acude a la raíz misma para relatar lo que Manohla Dargis (The New York Times) ha venido a denominar «una historia sobre la fundación del nacionalsocialismo». Pero, más si cabe, y al margen de fascismos específicos, la cinta de Haneke quiere subrayar el impacto de la educación y los riesgos implícitos en la evolución de una idea, de una doctrina inculcada. Y lo hace con desesperanza y gelidez, infundiendo la sospecha nunca resoluta del espectador sobre la candidez de un grupo de niños que parecieran traducciones hanekianas de los infantes de "El Pueblo de los Malditos" (Wolf Rilla, 1960), y destrozando sin clemencia el único ápice de inocencia incorruptible, encontrado aquí en Karli, hijo de la comadrona del pueblo que padece síndrome de Down. Otra víctima más, al fin y al cabo, del pesimismo humanístico, marca del autor, aquí conjugado en uno de sus más devastadores ensayos y, también, el más cercano a la historia que éste se ha permitido.
Els pronòstics s'han complert i la gala dels Goya 2010 ha coronat "Celda 211" com la pel·lícula de l'any. S'ha endut vuit Goyas, dels setze a què optava, entre els quals els més importants: el de millor pel·lícula, millor direcció i millor actor. "Ágora" d'Alejandro Amenábar ha perdut el pols i s'ha endut set premis, la majoria tècnics. La gran perdedora ha estat "El baile de la victoria", de Fernando Trueba, que no s'ha endut cap dels premis a què optava. Però la nit dels premis del cinema espanyol també ha deixat molts altres guanyadors, entre els quals la catalana Mar Coll com a millor directora novella, i moltes altres coses, com el glamur de la catifa verda, la imatge de Penélope Cruz i Javier Bardem junts, la reconciliació de Pedro Almódovar amb l'Acadèmia, l'humor d'Andreu Buenafuente i una arenga del president de l'Acadèmia de Cinema a tots els seus membres.
Daniel Monzón, Luis Tosar, Alberto Ammann i Marta Etura han sortir pletòrics de la gala del cinema espanyol, en què s'ha reconegut la seva feina a "Celda 211". Millor pel·lícula, millor director, millor actor protagonista, millor actor revelació i millor actriu de repartiment han estat els premis principals que s'ha endut, però també els de millor guió adaptat, millor muntatge i millor so. Vuit de setze.
En la part tècnica, en canvi, és on ha triomfat l'altra gran pel·lícula de l'any, "Ágora". Tenia tretze nominacions i la cinta d'Amenábar s'ha hagut de conformar amb el reconeixement al millor guió original, millor direcció artística, millor direcció de producció, millor maquillatge i perruqueria, millors efectes especials i millor vestuari. També s'ha endut el Goya a la millor fotografia, premi que ha recaigut en el fotògraf barceloní Xavi Giménez.
Altres protagonistes de la nit han estat Lola Dueñas, premiada com a millor actriu protagonista per "Yo, también". I és que els ha arrabassat l'estatueta a Penélope Cruz, a Maribel Verdú, a Rachel Weisz. El director Fernando Trueba ha vist com la seva "El baile de la victoria" marxava amb les mans buides malgrat les nou nominacions.
I la millor direcció novella ha estat per a la catalana Mar Coll. La gran triomfadora dels Gaudí catalans també ha vist reconeguda la seva feina a "Tres dies amb la família".
La reconciliació
Premis a banda, un dels moments de la nit ha estat l'aparició del cineasta Pedro Almodóvar, que, després de cinc anys renyit amb l'Acadèmia, ha fet una aparició a l'escenari a última hora per lliurar el premi a la millor pel·lícula. Almodóvar ha atribuït al "pesat" president de la institució la seva presència a la gala. També és destacable la primera aparició oficial junts dels mediàtics Penélope Cruz i Javier Bardem.
Al públic i no a la família El director de l'Acadèmia del Cinema espanyol, Álex de la Iglesia, també ha estat un dels triomfadors de la nit. En el seu discurs com a màxim representant del sector, no s'ha mossegat la llengua. Només començar ha recordat als assistents que ja estava bé de donar les gràcies a la família i els ha empès a agrair-ho al públic. Un públic que, tal com ha destacat el president de l'Acadèmia, aquest 2009 ha anat més que mai als cinemes a veure pel·lícules espanyoles, una oportunitat, diu, que cal aprofitar.
El president de cinema ha aprofitat les seves paraules per recordar la necessitat d'enfortir la indústria i fer pel·lícules millors per poder competir amb Hollywood. Ha parlat de superar els desacords i ha fet una crida a les televisions, perquè són les que poden facilitar aquest canvi qualitatiu i ajudar a aixecar pel·lícules que gaudeixen d'un èxit internacional.
Després de ressenyar que hi ha "molta gent que no té glamur ni surt a les revistes" i que es dedica a muntatge, so, maquillatge, elèctrics, etcètera, que no té "la sort" de poder treballar, va tornar a referir-se a la bona collita del cinema espanyol el 2009, per a qui va demanar un aplaudiment.
El palmarès
- Goya a la millor pel·lícula: "Celda 211"
- Goya a la millor direcció: Daniel Monzón, per "Celda 211" - Goya a la millor direcció novella: "Tres dies amb la família", de la jove directora Mar Coll
- Goya al millor guió original: Alejandro Amenábar i Mateo Gil, per "Ágora" - Goya al millor guió adaptat: Jorge Guerricaechevarría i Daniel Monzón, per "Celda 211"
- Goya al millor actor protagonista: Luis Tosar, per la seva interpretació a "Celda 211" - Goya al millor actor de repartiment: Raúl Areválo, pel seu paper a "Gordos" - Goya a l'actor revelació 2010: Alberto Ammann, pel seu paper a la cinta "Celda 211"
- Goya a la millor actriu protagonista: Lola Dueñas, per "Yo, también" - Goya a la millor actriu de repartiment: Marta Etura, per la seva interpretació a "Celda 211" - Goya a l'actriu revelació 2010: Soledad Villamil, pel seu paper al film "El secreto de sus ojos"
- Goya a la millor direcció artística: Guy Hendrix Dyas, per "Ágora" - Goya a la millor direcció de fotografia: Xavi Giménez, pel seu treball a la superproducció "Ágora" - Goya a la millor direcció de producció: José Luis Escolar, per "Ágora"
- Goya al millor muntatge: Mapa Pastor, per "Celda 211" - Goya als millors efectes especials: Chris Reynolds i Félix Bergés, per la pel·lícula "Ágora" - Goya al millor so: Sergio Burmann, Jaime Fernández i Carlos Faruolo, per la seva feina a "Celda 211" - Goya al millor maquillatge i perruqueria: Jan Sewell i Suzanne Stokes-Munton, per "Ágora" - Goya al millor vestuari: Gabriella Pescucci, pel film "Ágora"
- Goya a la millor cançó original: "Yo, también", del compositor Guille Milkyway, per al film "Yo, también" - Goya a la millor música original: Alberto Iglesias, per la banda sonora de la pel·lícula "Los abrazos rotos"
- Goya a la millor pel·lícula d'animació: "Planet 51" - Goya a la millor pel·lícula documental: "Garbo: el hombre que salvo el mundo" - Goya a la millor pel·lícula hispanoamericana: "El secreto de sus ojos", del director Juan José Campanella - Goya a la millor pel·lícula europea: "Slumdog millionaire. Quién quiere ser millonario?", de Danny Boyle
- Goya al millor curtmetratge d'animació: "La dama y la muerte", de Javier Recio Gracia - Goya al millor curtmetratge documental: "Flores de Ruanda", de David Muñoz López - Goya al millor curtmetratge de dicció: "Dime que yo", de Mateo Gil
- Goya honorífic: al director Antonio Mercero Els millors moments de la gala dels Goya "Celda 211" s'imposa en els Goya
L'altre dia vaig llegir una crítica a La Butaca.net que em va semblar interessant. Tracta sobre la pel·lícula The Road (La carretera):
Dignísima adaptación de la novela de Cormac McCarthy. John Hillcoat disfruta de una excelente caligrafía, pero no alcanza el pesimismo inherente y hedor a muerte de la novela. Magníficos Viggo Mortensen y Kodi Smit-McPhee.
El peso que el escritor Cormac McCarthy ha adquirido en la narrativa norteamericana reciente se ha correspondido con un creciente interés del cine hacia su obra. Si bien “Todos los caballos bellos” (Billy Bob Thornton, 2000), primera traducción de una novela suya a la pantalla, no acertaba a encontrarse con la esencia de la escritura McCarthiana, sí lo hacía “No es país para viejos” (Joel y Ethan Coen, 2007), tan nihilista y desgarrada como su equivalente en papel, pero sin dejar de lado el toque Coen. “The road (La carretera)”, cinta que clausurara el pasado Festival de Sitges, era otro gran título que esperaba su turno, y el atrevimiento se revelaba incluso mayor si atendíamos a la premisa: un escenario post-apocalíptico en el que un hombre y un niño vagan tratando de sobrevivir un día más, aferrándose a un último resquicio de humanidad en un mundo que ya no se lo puede permitir.
Pese a que la sequedad y la desesperanza asumida en la gramática de McCarthy no se presentaban mimbres fáciles para una adaptación a gran escala, es justo reconocer que John Hillcoat ha conseguido un notable equilibrio entre la arisca literatura del autor y las concesiones emotivas al gran público. Esto quiere decir que “La carretera” sigue sin complejos la senda iniciada por los hermanos Coen, pero donde a aquellos les bastaba insuflar su estilo para dar otra dimensión a la obra de partida, Hillcoat prefiere depurar las imágenes ofrecidas por el escritor y preocuparse por alcanzar algún grado de emotividad en su fidelidad a la novela original. En estos menesteres sus mayores aliados son Nick Cave y Warren Ellis, firmantes de la banda sonora y continuadores de una cierta tendencia de introducir compositores de sensibilidades más externas a las partituras para cine (hablamos de la banda sonora de Jonny Greenwood para “There will be blood [Pozos de ambición]“, o la de los mismos Cave y Ellis para “El asesinato de Jesse James por el cobarde Robert Ford”). Su música puntúa sin oportunismo, cala sin insistir. Sus notas suenan como la última esperanza de una humanidad casi extinguida.
Sin embargo, más allá de los aportes de la banda sonora, Hillcoat necesita señalar cada momento en el que estamos llamados a emocionarnos. Hay una cierta imposición del sentimiento, resultado de un lenguaje visual que tiene dificultades para incorporarlo como suyo. Es indiscutible que “La carretera” escenifica extraordinariamente el mundo devastado que ideó McCarthy, y que no hay fisuras en la labor de Viggo Mortensen y Kodi Smit-McPhee. Pero el pesimismo inherente y el hedor a muerte de la obra literaria no son los de la cinematográfica. Hillcoat es un adaptador extremadamente fiel, pero te hace recordar siempre que está adaptando. Con todo, y sin alcanzar la excelencia, la suya es una dignísima adaptación capaz de absorber la escasa fe en la humanidad que destilaba la novela.
Aquí teniu el llistat de les vint pel·lícules més taquilleres amb un líder recent: Avatar
1. Avatar (2009) $2,239,605,653 2. Titanic (1997) $1,835,300,000 3. The Lord of the Rings: The Return of the King (2003) $1,129,219,252 4. Pirates of the Caribbean: Dead Man's Chest (2006) $1,060,332,628 5. The Dark Knight (2008) $1,001,921,825 6. Harry Potter and the Sorcerer's Stone (2001) $968,657,891 7. Pirates of the Caribbean: At World's End (2007) $958,404,152 8. Harry Potter and the Order of the Phoenix (2007) $937,000,866 9. Harry Potter and the Half-Blood Prince (2009) $933,956,980 10. Star Wars: Episode I - The Phantom Menace (1999) $922,379,000 11. The Lord of the Rings: The Two Towers (2002) $921,600,000 12. Jurassic Park (1993) $919,700,000 13. Harry Potter and the Goblet of Fire (2005) $892,194,397 14. Ice Age: Dawn of the Dinosaurs (2009) $887,773,705 15. Spider-Man 3 (2007) $885,430,303 16. Shrek 2 (2004) $880,871,036 17. Harry Potter and the Chamber of Secrets (2002) $866,300,000 18. Finding Nemo (2003) $865,000,000 19. The Lord of the Rings: The Fellowship of the Ring (2001) $860,700,000 20. Star Wars: Episode III - Revenge of the Sith (2005) $848,462,555
